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子役育成型オーディションでも話題のミュージカル、「ビリー・エリオット」を観てきました。一度目は旦那と。二度目は感動の投稿をFacebookに投稿したところ、食いついてきた友人数人で。
　
カーテンコールはもちろん、劇中も、手がちぎれるくらい拍手しました。
これは子役の少年少女たちへのオーバーリアクションによる賛辞ではなく、心から感動してしまった私がどれだけ拍手をしても、し足り無かったというくらい、心動かされたからです。
　
既に公演が終了してしまったのですが、見逃した方はこちらでロンドン公演の日本語字幕版が楽しめますので、ぜひ！！私は自宅でこれを観ながら、また涙。
Billy Elliot: The Musical Live on iTunes


この作品は、映画「リトルダンサー」を原作に、大御大エルトン・ジョンが書き下ろした曲によってミュージカル化されたものです。原作である映画はスティーブン・ダルドリー（ブロードウェイなどの舞台作品やテレビドラマの製作および演出を手がけた大御所）による、初の長編映画作品だったこともあり、既に舞台っぽい演出が多く施された作品でした。
　
まずは簡単なあらすじを
1984年から1985年にかけてサッチャー政権が打ち出した「炭鉱閉鎖政策」に対抗した大規模なストライキが起こったイギリス北部の炭鉱街が舞台。ストの中心人物である父＆兄のもとで育つ11歳のビリー少年は、街の男達の従来の慣習に従ってボクシングを習っています。（ただあまり乗り気ではありません。）

ある日、ボクシングの稽古に遅刻したビリーは居残り、そのまま、ボクシングの後に実施されるバレエのレッスンに参加することになるのですが、そこでバレエに魅了されてしまいます。幼いうちに母親を亡くしたビリーにとって、バレエのウィルキンソン先生は母親の温かさも感じられる自分の唯一の理解者となっていきます。

ビリーの才能を認めてくれた先生はロイヤルバレエスクールの受験をすすめるものの、昔気質の男らしさ（このご時世男らしさってなんだろうという話なのですが）を大事とする父と兄は、バレエは女々しく、浮わついた人間のやるものであり、ストライキでみんなが戦っている時に何をバカなことを！と猛反対します。

バレエを続けたいビリーは隠れてウィルキンソン先生のレッスンを受け続け、その様子を知ったビリーの父は彼の才能と情熱を理解するのですが、長期間に渡るストライキのせいでバレエスクールの試験を受けに行く交通費すら出せません。ストライキ仲間からの期待や男のプライドも捨てて、父親はスト活動から離脱しようとします。ストライキの中心にいた親子の父親が裏切るわけですから、お兄ちゃんは激怒。そんな事情を知った仲間達の寄付によりビリーは試験を受けに行くことができます。そして暗い話しかない街の唯一の光になっていくわけですが、、、

さてビリーはスクールに受かるのか？そしてバレエダンサーになれるのか？おすすめポイントは以下の4つ
 　
1. 主役ビリーにかかり過ぎている重圧をはねのける子役の少年に感涙
この公演を実施するにあたり、大きな課題となるのが、子役の育成です。
主役のビリーはタップダンス、クラシックバレエ、アクロバット、そして歌唱、と多岐に渡る技術が求められるだけでなく、2時間半の公演で、ほぼ出ずっぱりなので、狂気的な体力とやりきり力が求められます。

バレエを続けられない怒りともどかしさを爆発させる「アングリー・ダンス」では4分弱の間、激しいタップを踊り続けますし、「エレクトリシティ」では2分半もの独唱のあと、そのまま3分以上のクラシックバレエのシーンに突入します。大きなステージにぽつんと一人のダンスで時間をもたせるシーンがひたすら続くという。体の小さい子役が舞台の大きさを感じないくらい、手足をしっかり伸ばしてそれをやり切っていることに息をする暇もありません。

最後は「子役」と呼んでしまうのも申し訳ない気持ちになるくらいのプロフェッショナルぶりに圧倒されます。

Electricity - Billy Elliot The Musical

　
2. ビリーの親友「マイケル」に注目
主演ビリーの大変さを「多岐にわたるダンス＆歌唱技術×体力」だとすると、サブキャラでもある親友マイケルの子役のポイントは「生まれ持ってのキャラ」もしくは「憑依力」なのではないかなと。
　
マイケルは実は女装癖があります。大人達に反対されながらも、バレエを続けたい想いをビリーがマイケルに相談するシーンでは「え？男がバレエするなんておかしいと思われちゃうよ？！」と、女装をしながら答えるシーンは非常にコミカル。その後に続くマイケルが歌う「Expressing Yourself」（これがまた名曲中の名曲！）は「個性を大切に！自分に嘘をつかない！」という、このミュージカル全体の核心となるメッセージソング（和訳はこちら）であり、それを主演のビリーでなく、マイケルが歌うのです。この作品においてマイケルというのはただの脇役ではなく、かなり大事なキャラクターになります。「バレエを止められて悩むビリー」と対照的に「堂々と女装を楽しんでいるマイケル」。このマイケルは根アカで、なのに、どこか悟ったような、大きな問題を自分自身で消化しようとしている凄みが必要で、それは演技ではなく、生まれ持ったキャラクターでしか演じきれない難しい役どころなのです。ここに是非注目してほしいです。
「Expressing Yourself」を歌いきった後に、マイケルが暗転させるタイミングが私は大好き。

EXPRESSING YOURSELF - BILLY ELLIOT LIVE Elliott 


3. 演出
2017年の日本版「ビリー・エリオット」では「北九州弁」を話しており、これは、なるほど！と膝を打つ演出でした。炭鉱夫が多く住んだエリアで、方言が強い場所ですよね。実際に本場ロンドン公演の「ビリー・エリオット」でも、舞台となった北の訛りが強くて、蛮カラなセリフ回しの演出が特徴的です。
　
あと印象的な演出は「Solidarity」で、「警官vs炭鉱夫のストメンバーが争う様子」と「バレエの練習をする少女たち」を対照的に描いてるシーン。それは「戦争と平和」であり、「過去と未来」でもあります。

Solidarity (Billy Elliot)


4. ホリプロの（堀義貴社長の）執念がすごい
「リトルダンサー」がエルトン・ジョンの楽曲によってミュージカル化されるらしいぞ、という情報を聞きつけたホリプロの堀義貴社長（当時は社長ではなかったですが）が、「日本で絶対やりたい！」と名乗りをあげるのですが、そもそもロンドンでのミュージカル公演が開始されていないタイミングで挙手しているのが面白いポイントです（笑）。「まだ本場の公演も始まってないのに、日本での展開なんて考えてないよ」と当時は一蹴されるわけですが、「もしやるってなったら、絶対声かけてよ？！絶対交渉させてよ？！」と堀社長は強く連絡をしたそうです。実際のロンドン公演が開幕し、堀社長は現地に飛びます。観た感想は「やばい、無理だ、できない。。。」だったそうです。「俺たちがやってきたのは制作者ごっこだ！こんなスゴいことできない！どこであんな子どもを探せばいいんだ！無理無理！」と、怒りがこみ上げてきて、全てのやる気をなくした、というくらいの衝撃だったそうです。

その後、様々な日本の劇団が名乗りをあげ、ホリプロは候補から外れるところまでいくのですが、その時「これはホリプロという会社が乗り越えるべき壁である」と奮起し、結果、勝ちとります。上演まで漕ぎ付けるその漢気は、ビリーの夢を最後は理解し、応援し、覚悟を決めて新しい時代を引導するビリーのお父さんの姿と重なる部分もあり、とても勇気付けられます。
　
最後に
私の母は教員なのですが、どうしても観て欲しくて、無理やり観に行かせたら、結果、教員仲間を連れて、その後何度も観に行ったようです。それは「子どもの頑張ってる姿に心打たれる作品だから」ではありません。
　
ビリー・エリオットという作品は、いわば「神視点」で観ることができる作品です。
私たちは未来にいるからこそ、サッチャーによる「労働組合の社会主義が、企業家精神を破壊する」という考察に基づいた、「赤字の炭鉱閉鎖」という政策に一定の理解ができますが、時代背景を考えると当時、その強引さはただの悪であり、もちろん「バレエを踊る男性」への理解度も低い。作品中はレガシーの象徴として描かれているビリーの父、兄が、当時、そのエリアにおいては「常識人」だったはずです。
　
翻って、今現代において、10年後、20年後を読むのは当時よりも困難な環境の中で、「〜べき」「〜らしさ」「常識とは」「正しい教養」というものを、どうやって定義して教えることができるだろうか。とふと思ってしまうのです。それよりも「好きなものに没頭できる力」、「夢中力」を養うことがどれだけ尊く、子どもたちの未来を切り拓いてくれるものかを感じさせてくれる。
　
そんな悩める大人たちに是非観ていただきたい作品です。

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COME FROM AWAYを見てきました！それも9月12日に（笑）


2017年トニー賞作品賞の有力候補の一つだったこの作品。
Dear Evan HansenとGroundhog Day、そしてこのCome From Awayの3つは絶対観るって決めてました。

ちょっと話は逸れますが、2017年のトニー賞は本当に面白かったですね。
昨年2016年は発表前から「ハミルトン/Hamilton」一強でしょ、って空気がムンムンでしたが、今年は発表まで分からない、それだけ豊作だった。という嬉しい悲鳴です。

残念ながら、Dear Evan Hansenに負けてしまいましたが、正直、どちらも観た私にとっては、僅差でCOME FROM AWAYかもなという位、素晴らしかったです。

2001年9月11日のアメリカ同時多発テロの際に起きた実話を基に描かれた作品なのですが、まずは簡単なあらすじを。


おすすめポイントは以下の3つ。

1. 演出が面白い
とにもかくにも、演出が素晴らしい。
主役を置かないアンサンブルミュージカルなのですが、舞台転換や衣装替えなどもなく、スカーフやマイクなど役者がポケットに入れられるようなちょっとした小道具、顔の表情、演技などで、100人を超える登場人物を、12人の役者が演じ分けており、新しいミュージカルの形が生まれた作品と言っても過言ではないと思います。これは後述しますが、COME FROM AWAYの根本でもある「国も宗教も関係なく支え合った事実を淡々と伝える」という事をより強調させる演出だと思います。
　
少し中だるみしそうな、アンサンブルミュージカルの形をとりながらも、ストーリー展開のテンポも良く、「幕間なし/1時間40分の1本勝負」というハリウッド映画のような手法をとっているところも面白いです。

2. 私のアメリカの一番好きなところが詰まっている
「アメリカっぽい」がまず一番の感想でした。
9・11テロって、遠い日本に住む私にとっても衝撃的な事件だったわけで、日本人の私には理解が及ばないレベルで国民みんなが傷ついてると思うんですよね。
それをこの数年でミュージカルにして提供してしまうその環境とか国民感覚が素晴らしいな、と。
もし日本だったら、まだアンタッチャブルな空気が流れてる期間ではないかな、と。
色々配慮をした結果、惨劇として描いてしまいそうなこの題材を、前向きな気持ちで終わらせています。

文化や宗教が違うことで人が人を傷つけているその同じ時間に、違う場所で、文化や宗教を超えて人を癒している人たちがいた、そのことを淡々と事実として紡ぐことで大きなメッセージを生んでいる素晴らしい作品だと思います。

3. 主役がないことで伝わることがある
やはり主役がない、というのは観客の入り込みが薄くなってしまいがちです。
ただ前述の通り、文化や宗教を超えて、全て人間は人間であるというメッセージを理解するには誰かの目線で伝えてはダメなんだろうなと感じました。

平和が当たり前ではなくなったこの時代に「他者を理解し、受け入れることの大切さ」を思い出させてくれる、そんな作品でした。

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大ヒットブロードウェイミュージカル「ディア エヴァン ハンセン」の脚本を書き下ろしたスティーブン・レヴェンソンも、作品と同じく、2017年トニー賞ミュージカル脚本賞を受賞しました。


このミュージカルはとにかく発想というか設定が面白いと思ったので、どういうところから着想を得たのか気になって調べてみたところ、彼が設定から決めて書き下ろした作品というわけではないようです。
　
作曲家のPasek&PaulのBenj Pasekが高校生時代、同級生をドラッグの摂取過多によって亡くし、その時の残された生徒たちの喪失感や自身が感じたことを作品に落とし込んでいったものだそうです。
　
Benjがこれを劇作品に仕上げていく過程で、劇作家が必要だということになり、多数の作品をみた中で、スティーブン・レヴェンソンにオファーをし、本づくりが始まります。それは並大抵の作業ではなく、登場キャラクターやエピソードなど、それこそ命を削るように約5年もの間、様々なアイデアを出しては消し、出しては消し、この作品が仕上がっていきます。
　
人の心を動かすものは「原体験」に基づいたものだ、という話はよく聞きますが、この作品もそうだったんだなと改めて思いました。
　
Steven Levensonはミュージカル作品としては、これが処女作となるわけで、一部ではFirst Luckだと揶揄する人もいますが、元々大ヒットドラマ、「Masters of SEX」の脚本も手がけた作家さんです。
　
ロングランヒットとなったミュージカル作品The Book of MORMONも、風刺アニメSouth Parkを作ったトレイ・パーカー（Trey Parker）&マット・ストーン（Matthew Stone）によって作られたように、ブロードウェイに別のエンタメ業界の新たな血を入れることで、化学反応が起こるという事例がまた一つ増えましたね。（余談ですが、Dear Evan Hansenで一躍スターになった主演男優ベン・プラットも過去、The Book of MORMONに出演しています。）


とにかく作品は面白いので、ぜひ観ていただきたいです。
簡単なあらすじや感想はこちらから。

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Pasek and Paulが作詞作曲し、ベン・プラットが歌い上げるDear Evan Hansenの「Waving Through a Window」を私なりに和訳しました。

作中におけるこの曲の素晴らしさはこちらの記事にまとめました。
　
この曲は節回しがクセになるメロディラインで、節と節の間で、前節の最後の音に次節の頭の主語をぶっこんでいることで「寂しい俺」がより強調される曲調になっています。
　

最後の盛り上がりで、
When you're falling in a forest and there's nobody around

Do you ever really crash, or even make a sound 
を4回繰り返すところがあるのですが、その自問自答っぷりを和訳するのは苦労しました（笑）一番の聴きどころなので、ぜひ！

　

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やっと観てきました、Dear Evan Hansen。

　
結論から言うと最高です。　
　
「SNSが題材の一つとして使われていること」と「若年層に人気」という二つの事実に相関性をもたせて紹介しているメディアが多いのですが、この作品の根本にあるのは「孤独とは何か」という、年齢性別を超えた壮大な問いであり、社会と繋がっている限り、誰もがもつモヤモヤした痛みや鬱屈した感情をえぐりだした作品なので、全ての人が自分の環境に置き換えて感じとれる何かがあるはずです。ブロードウェイまで行かれたら、是非観ていただきたいです。おすすめポイントは以下の５つ
　
1. 設定がおもしろい
（なるべくネタバレしないように書いてます）
2017年のトニー賞は完全に「Dear Evan Hansen」と主演の「Ben Platt」のものだったと言っても過言ではありません。ただ評価されているのがミュージカル界だけじゃないというのがポイント。
 
かつて1990年代のニューヨーク・イーストヴィレッジを舞台に、エイズ、ドラッグ、貧困、LGBTなど、若者の社会問題を描いた「RENT」がそうであったように、普段ブロードウェイで舞台を観る機会のなかったSNS世代の若者たちの間で大きなムーブメントになっており、チケット価格が高騰しているにも関わらず、劇場は若者で溢れかえっていました。
 
Youtubeには大量の二次創作物が生まれており、ブロードウェイの間口を広げる作品となっています。

Sincerely, Me | Dear Evan Hansen | Animatic/Storyboard


sincerely me (but it's trash)


主演のベン・プラットはトニー賞を受賞した時、こんなコメントを残しました。
"Don’t waste any time trying to be anyone but yourself, because the things that make you strange are the things that make you powerful."

「自分以外の何者かになろうとすることに時間を費やさないで。あなたを人と違った、一風変わった人にしているその要素は、あなたを強くしてくれるものだから。」
　
3. 孤独とは何か、ということを改めて考えさせてくれる
この作品は「SNS世代の若者」だけではなく、全ての世代を超えて「孤独とは何か？」を考えるきっかけを与えてくれます。
 
人が孤独を感じる瞬間は、人里離れた山奥で一人で暮らすことではなく、「認めてもらえない」「会話が成り立たない」「もっている前提情報が違う」など、人とのコミュニケーションの中で生まれるものなんだ、ということを自分の人生の様々なシーンを思い返しながら確認できる、そんな作品です。
 
私はこの作品を通して「自分が過去に感じた孤独」と「自分は気づかなかったけど、今思うとあの人に感じさせていただろう孤独」の両方を反芻しました。
　
4. Pasek and Paul の紡ぐ楽曲

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ベット・ミドラーが71歳にして、ブロードウェイ初主演を果たした「ハロー・ドーリー！」。


2017年6月11日、彼女がトニー賞のミュージカル主演女優賞を手にした、というニュースは本当に嬉しく、全ての年齢を言い訳に新しい何かにチャレンジしていない私も含めた大人たちを奮い立たせるニュースでした。
　
ベット・ミドラーは、薬物中毒で死してなお女性ロックスターのカリスマとなったジャニス・ジョプリンをモデルにした映画「ローズ」でゴールデングローブ主演女優賞を、またその主題歌でグラミー賞を受賞したシネマスターとして有名な方。受賞歴でいえば、ゴールデン・グローブ賞4回、グラミー賞3回、エミー賞3回という、大御所中の大御所。そんな彼女が御歳71歳にしてブロードウェイの主演にチャレンジし、トニー賞に初ノミネートされたわけです。

　
NYCを闊歩する評論家たちの下馬評でも、ミュージカル主演女優賞は彼女で決まりだろうとコメントを出しまくるプレッシャーの中、見事勝ち取りました。
　
ハロー・ドーリー！は1964年にキャロル・チャニング（Carol Channing）により初上演された作品で、2017年はリバイバル作品賞も含めた4部門で受賞を果たしているわけですが、実は元々、キャロルではなく、ブロードウェイの女王、エセル・マーマン（Ethel Merman）に当て書きされた曲なんです。
　
結果、キャロルが演じるわけですが、これが大当たり。彼女のようなコメディカルなドーリーは今後復活することは難しいだろうと言われていた、この難役をベット・ミドラーが見事に復活させた（人によってはキャロルよりもドーリーのキャラクターを浮き彫りにした！と絶賛）とブロードウェイを大興奮の渦にしているのです。

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